眩：北斋之女

一个从小就对线条和圆有着深刻兴趣，把光与影的完美结合作为自己至高追求的女子，生于绘画之家，见证过一个画痴父亲的人生浮沉，他是她毕生追求的光，而在那束持久而幽暗的光下，她也照见了自己一生的影子。

把任何事做到高境界的人，都有一种不疯魔不成活的精神，阿荣饮食生活，不声不响间，无时无刻不在思考着如何提高自己的技艺，无时无刻不在被这个世界的美丽色彩感动着。

离开画技不精的丈夫，整日沉浸在绘画之中，母亲对她的未来担忧不已，一个不贤良淑德貌美如花的女儿，丝毫不考虑自己的未来。

一次又一次苦苦的探索，却仍无法达到自己想要的高度，她问自己:为什么要对画画如此痴迷呢，明明那么辛苦。

太阳一样照亮她人生道路的父亲却向她坦言，自己也总是不满意自己的画技，但又享受着这种不断追求的挣扎。

父亲之于她的意义，我甚至不知道如何去用语言表达。

这个从小就把她抱在怀里教她领略绘画之美的男人，这个年近暮年为了绘画打败了病魔的画痴，这个无时无刻不让她景仰万分的老师，没有他，就没有后来的阿荣。

父女俩的痴，成就了绘画，也为常人不解。

母亲不懂，为什么自己正值春华的女儿不去相夫教子，为什么自己的丈夫已经躺在病床上奄奄一息，自己的女儿还执意要他作画，为什么自己倾其一生奉献的两个人，没有一个人她能看透。

无解，所以她选择了解脱。

阿荣的一生又何尝不寂寞，母亲离世，她独自一人照料父亲，经营画馆，后来父亲离世，她再没人仰望，也无人可诉衷肠。

我猜，她也曾无数个夜里想起那个男子，那个和她一样对画画如此痴迷的男子，才华横溢，机智过人，轻易就能参透她的心事，他的温柔像极了毒药，她在画布上缱绻半生，不敢说尚已忘怀。

不然《三曲合奏图》《吉原格子先之图》何来?她都不曾了解过这个男子，他在花丛中留恋，在世俗里汲汲于名利，与妓女结婚，只记得他们一起在桥前观火，一起逛艺伎馆，也有过几页情事，心事最深处莫过于那幅用普鲁士蓝画成的浮世绘。

可是最后相见他说，我已经不能作画了，你要好好画下去啊。

她不知，她的一腔执著，也是一束光，照亮过那个男子。

她不曾停过笔，当能够与自己共通的人都相继离开，她终于有能力画出了自己想要的感觉。

所谓世间情爱都是急风骤雨，只有挚爱的事业，才是每日的声光和微风。

她的一生，只有光影色彩为伴，万般寂寥，却有常人不及的洒脱与旷达，她不再是一个女人，而是一支画尽人间风雪的笔。

画面太美了，我截了几十张图。

舞台剧式的换景运镜充满了匠心，色彩浓郁又活泼，几乎每个分镜都有冷暖色的对比。

葛饰北斋在江户时代怒活到89岁，从最出名的《富岳三十六景》到绝笔《富士越龙图 》（哦也不能忘了章鱼与海女😂），哇我终于懂得了啥叫“如化入境”。

嗯，葛饰北斋不止是《神奈川冲浪里》，葛饰北斋超越巨浪。

Btw，私心觉得宫崎葵演的超好，是目前为止最好的宫崎葵。

阿荣英灵合一，心守一物，又移情万物。

“世界由光与影组成，影子塑形万物，光为了将其凸显。

”可能葛饰北斋是光，阿荣愿意做父亲一辈子的影吧。

自然，我看这部电影的原因还是因为对小葵的热爱，而不是我有多么关心艺术，这种感觉就是，啊，好久没有见到她了，好想念，终于有了新的作品，迫不及待的想要见一见，电影反而更像是一种见面的方式，喜欢一个人时间久了，仿佛真的能够超过角色，也超过了演员本身，所有的角色都成为了她的一部分，就像是生命中的一段经历，那个观看的我也像是陪她一起经历过，而那个我所不了解的生活中的她，也只是她所有角色中普通的一个，只是一段我所不了解的经历。

这次的小葵化身成为了北斋的女儿荣，一个江户时期画家。

开始的场景是介绍了北斋教小时候的荣画画，然后时间就到了荣被休妻回娘家，回到了父亲的画室。

我几乎是怀着看纪录片或者传记电影的心态去看的，所以其中所表现出来的荣的个性，像个懒散的公子哥一样，还有言语里面甚至有些刻薄的，不符合当时儒家文化背景下温良恭俭让女性气质的作风，这些仿佛都说明了，她是很有自己想法和个性的人，就像她对于被休妻回家表现的一脸不在乎，穿着和举止也很任性，对于乱糟糟的画室也习以为常，还有去看失火时的一脸兴奋，感慨被火染红天空颜色的美丽……我几乎已经相信小葵就是真实的荣了。

说回来，其实我一直很讨厌把艺术家神秘化或者另类化的倾向，尤其是一些知名的画家等，往往被神化，成为一种符号，仿佛已经成为了艺术的指代。

而我对于艺术的看法却是日常的，就像所谓绘画，其实不过是在没有摄影技术之前的一种记录现实的方式，画家更应该称为画匠，只是在绘画这种媒介上能够有表达的自由，甚至能够创造不同的风格，艺术这回事仿佛就多了更多想象和阐释的空间。

每个时代都有自己的艺术，就像现在很多UP主上传的自制视频，美颜P图，还有表情包等，也都是一种新时代的艺术风格，只不过身处当时的人难以感觉到其中的光环。

还好，这部电影表现出来了这种日常，满地纸屑乱糟糟的画室，邋遢的画家，三言两语日常的对话，这些都表现了当时一个忙碌的画室的场景，彼时的艺术家更像是普通人，更准确说，是一群工匠，他们最忧心的问题是能不能完成客户的订单，就算偶尔不能达到心目中的理想，也仍然会选择交付不完美的作品，而不是耽误工期，面对客户也更像是要完成一项工作或者使命，如果要做一种比较的话，我能想到的和现在最相似的职业大概是平面设计师了。

说回来，其实我并不想谈关于艺术的事情，那些都只是在知识的范畴，比如关于艺术的演变或者艺术家的传记，都不是那么重要的，或者说，它们已经有无数人鹦鹉学舌一样说过无数次，而我也并不想重复。

我所感觉到有些不同的，也是我自己有切身体会的，是个人与某种技艺的关系，或者说是个人与某种事业的关系，比如绘画之于荣。

在我的理解里面，荣之所以不在乎家庭，不在乎自己的丈夫，是因为她内心有另一套价值，包括后来荣出入声色场所，醉心于观察光影的变化，而不在乎别人的世俗眼光，也是因为内心有这样一种支撑。

我记得一个场景是荣的父亲病倒的时候，荣最担心的不是父亲生病本身，而是父亲不能再画画了，她要拯救父亲的方式，是让他回到一个画家的身份，如果只是躺着维持生命，那和死了有什么不同。

于是她被母亲指责为不孝，毕竟在一般的眼光里，生命的价值是高于一切的。

但我是理解这种想法的，我也一直渴望自己能够找到这样一种技艺或者事业，一种真正能够超越自己生命的东西，如果找不到，那么仿佛一生都会是暗淡的，仿佛都像是蝼蚁草木一样，一点痕迹都不会留下，这样的技艺，仿佛黑暗中的亮光，茫茫大海上的小船，没有它们，生命将陷入无边的虚空之中。

于是，在某些瞬间，从别人身上，我仿佛看到了，感觉到了这样的东西，也许是一段演奏，一幅作品，甚至是一身衣裳，是一种纯粹的，至善至美的，仿佛陷入永恒之中，这是一种让人恨不得想死的感觉。

我在很小的时候，就有画画的习惯，我把大部分空闲的时间都用在了画画上，而我所画的，基本上都是小汽车和轮船飞机等，我记得从小开始我的几乎所有课本的空白地方都被我画满了，我记得自己一整天都在画，以至于忘记了时间，眼睛开始变得不舒服，画画的习惯大概一直持续了十几年，到后来越来越追求尺度的精确，细节的到位，用尺子圆规，从平面图到立体图……心里一直想要成为设计师，但是后来却记不清为什么就放下了，甚至忘记了。

这大概就是我每每看到那些极致的东西，感到羞愧的原因吧，我心中曾经也有那样一颗种子，不知道什么时候就丢失了。

荣的心中大概也有这样一颗种子，是被他父亲种下的，这有什么关系呢，我一直觉得，其实我们中的大部分人，都有潜力去做好一项技艺，之所以没有做到，只是因为机缘巧合，这根先天没有多少关系，就像我也不相信我画画的种子是自己从内心就有的，只是记不清来龙去脉。

现在的我变得浮躁，每天除了工作的时间都变得很空虚无聊，更准确说，其实并不是空虚，因为每天都在接受无数的信息，从一个视频跳到另一个，从一个话题到另一个，仿佛像个木偶一样，心情和思绪都被牵在别处，但是到后来，仿佛又变成了过眼烟云，偶尔停下来，仿佛心中有无限感怀，却不能说出一句话，或者什么想法都没有，只剩下一片茫然。

也许在荣那个时代，时间是慢的，因为人每天都在做一件事，一件事做完了，一生也就过去了。

而现在的我，仿佛每天都在做无数的事情，又仿佛什么事情都没有做。

常常会有重复之感，仿佛已经活过了无数次，也明白了生命的全部可能性，了然了世界的全部秘密，不再有继续存在的理由。

现在的我，仿佛也理解了，为什么有些人愿意早一些的离开，理解了死亡来临之时的平静和安然，理解了所谓生命长短，果然不是最重要的事情，而这在过去，仿佛是不可思议的，我一直在寻找，在等待那种能够让我可以轻视生死的事物，也许就像绘画之于荣，也许我早就找到了，并且找到了不止一次，但又都被遗失了，或者，我又改变了看法，不再像当初那样的珍视，甚至不再相信了，现在的我，即使找不到这样的东西，仿佛也不再感觉十分遗憾了，就像已经错过了时节。

我记得一个场景，晚年的荣在画画，而她的弟弟在抱怨她不顾忌别人的眼光，损害家里的名誉，希望她不要去不该去的地方，但她仿佛什么都没有听见，仍然只是在画画，她的世界里仿佛只剩下光和影，那样的光和影，今天仍然留在纸上，我看了很多次，想要理解她的心情，但能感觉的也只是自己的心情，那终于还是她自己的世界。

在被生活琐碎纠缠的平凡日子中，每每会被这种为某一事物投入全部的人所震撼，又会重新思考起生命的意义这个大命题。

想起余华的小说——《活着》中的那种活法，活着可能就是活着，不管如何还是活着，继续活着，活着好像就是生命意义的本身。

但是人好像总是不满足于此，想要赋予新的定义，更加个人的定义，好像这才能证明自己作为一个独立的个体活过。

但是好像不完全如此，葛饰北斋以及北斋之女好像都没有去思考过什么才是个人的画风，个人的印记，好像只要不断的画，不断的研磨自身的技艺，就好像是生命本身了。

现在好像很多艺术家都在寻求一种新的表达方式以确认自身的位置，获得认可和存在的意义，但是真的能成为一个人存在的意义吗？

如果说世俗定义上如此，那对于个人来说真的如此吗？

一直疑惑于人存在的意义是什么，是活过吗？

那如何才能证明自己活过，被记住是不是就意味着那个人是活过的？

这么说好像子嗣这种生物学上的延续是最真实，也是最容易本记住的，这是不是很多长辈为子女而活的根本？

这样的揣测好像听起来有点自私和牵强，因为即便如此，几代人以后相关记忆可能也不复存在了吧。

回想那些如今还为我们所记得的历史人物，好像都是因为留下很多不为时间所磨灭的东西，比如思想。

所以有的时候贪心地想想，这可能是能够证明自身存在的东西。

这何等之难，绝大部分人好像都只是芸芸众生，拿什么的去证明自己存在过。

即便是北斋之女，连拍摄她个人的影视也是因为北斋，要是没有她父亲北斋，她真的能为人所记住么？

片中提到的其技术甚至不能满足表达需求，一再受到外界的否定，观影下来能记住的也不是其作品，而是她作为一个天赋并不佳的画艺上的求道者的形象。

不过求道与否好像无关紧要了，关键是她为此燃尽了一生，不知道这样对她来说是否够了，这是不是一种有意义的存在方式。

什么是生命存在的意义，这个可能是一个永远解不开的谜团吧，也可能根本没什么准确的答案，能做的就是挣扎吧。

不过很幸运看到片中的两个谈话内容，对于一个迷茫的摄影爱好者而言。

其一： “我怎么就迷上画画了呢，净是痛苦。

” “别说是你，我对自己也不满意，再好一点，再一点，再一点，虽然总在祈祷着，但在想出来之前，灵感已经逃走了。

” “过了这个桥就忘了吧，忘掉它，然后我们重新开始挣扎，挣扎，不停地折腾吧。

” 其二： “就算是三流的专业画家，也比一流的业余选手强，知道为什么吗？

因为专业的人要像这样忍受耻辱，就算是自己不满意，也要咬紧牙关，直面世人的目光！

你们有时间后悔，不如感觉着手下一份工作。

”

不只北斋父女两个逐光者是耀眼的，本片几个重要人物都呈现了一生中耀眼的、生命燃烧的时刻。

江户的大火与疾病像命运一样骤不及防，那未曾说出口的，就永远没有机会再说。

母亲，她一开始抱怨的是阿荣的奇异行为，但当阿荣把画笔递到中风的北斋手上时，她抱怨的是阿荣的不近人情的残酷，这残酷正是身为画家的决意的证明，这孩子跟她父亲是同一种人。

即使并不赞同，她对阿荣的理解也是不断加深的，此时她定已意识到，作画是阿荣一生的志业，绝非一时兴起的奇行。

在生命的最后时刻她试图与女儿和解，把北斋托付给她，留下神秘的微笑与背影。

老对头马琴在北斋病榻前大喊，我可不要像你这样死去，我还什么都没有写，还没有写出能让我满意的戏剧。

葛饰北斋！

你已经满足了吗，你想画的、想挑战的，不是还堆积如山吗！？

善次郎(溪斋英泉)，相对于沉默寡言一心向道的阿荣，他是轻快洒脱如随风飘荡的佳人，让她意识到自己不知不觉中成了别人仰望的存在，鼓励她一直画下去。

他过世时北斋对阿荣说，如果不好好为他送行，你永远都会被他牵连着的。

北斋乱头粗服感觉再拿根竹棒提个葫芦就能当丐帮帮主，北斋的画室散落凌乱画稿，作画时吃南蛮点心。

本片借他之口说出，画家无论怎样磨练技艺，也会有下笔无法捕捉灵感的苦闷，与不得不将低完成度的画作展示给世人的懊恼；后人眼中富有传奇色彩的宗师生平，在当事人身上都是前路未卜的挣扎前行。

被画魔缠身的人好像不会老去，北斋父女都是如此，北斋年过七十仍是一头灰发；但在北斋看到阿荣自成一格的夜樱美人图之后，仿佛生命的一个阶段结束了，有什么重要的东西得到了传承，让北斋不可避免地衰老下去，再次出场已是白发萧然。

大限将至的北斋将最后的生命力挥洒为富士山顶的跃龙，他干枯的手爪像老树的秃枝，又像是飞腾而上的龙的躯干。

直到去世，北斋的手中仍紧握画笔。

穿过吉原花街的阿荣的面容也逐渐显出风霜的蚀刻，但仍不知疲倦地描绘着心中的光影，她终于像北斋一样，成为了一个令人生畏的怪物。

写《人间》的时候，鬼使神差地用了“镰仓之浪”和“应为之光”两个意象。

原本想要落笔的“神奈川冲·浪里”硬生生地化为太宰治终结人生的起始。

我着迷的是语言文字的偶得吗？

或许令我着迷的只是死亡罢了。

躺在雨声里，将《眩北斋之女》看完。

这是今夜属于我内心的呼唤，每当声音响起，我便遵循生命没来由的昭示。

喜欢阿荣的美，或者说是宫崎葵的美。

Rien n’est beau que le vrai.真实永远是最美的。

她说自然的绚丽啊，是无法调和的色彩；那些生命中最重要的光啊，必然是因阴影而更加灿烂。

疾病、忽视、背叛、离别，这些人生中晦暗的时刻，使得一点坚强都变得格外珍贵。

我们看似漫长的一生，远远不够撑起北斋葛饰那句：天，若再给我五年，我一定能成为一个真正的画家。

世界是圆与线所构成，便让我想到那部“森罗万象”的设计视频。

光与影构成了色彩，色彩寄予了情感，画家的生命就这样流淌进了永恒里。

那些关于名画的细节里，无一不透露着画家深深浅浅的思绪。

我爱你的时候啊，就这样平凡地爱着，我可以做你的影。

哪怕是多年未见，看到你来，就好像整个人亮了起来。

我恨你的时候，除了泪水，也不需要其他的言语。

只要跪坐在属于我的阴影里，将曾经可能的梦想一直延续下去。

即便它来自遗憾里，来自所有不确定又带来致命吸引力的事物里。

我不觉得痛苦，只是觉得这一方画室，一座长桥，就是我的“方寸”和我的“奈何”。

一处用来坚守，一处用来遗忘。

他是《富士越龙图》的龙，她是《吉原格子里之图》手持灯笼的少女，在光亮熄灭之时，以画师本人为影，衬托了画作的光。

年月虽长，在她固执又决绝的一生里，从一蜂一蝶，到浮世女子，再返璞归真，将情感细细密密锁在笔下的光影里。

她没有死去，她只是迷失，我喜欢那些满怀情愫的眼神，喜欢透露着欣喜、不安、决绝与释然的眼睛。

就像《香水》的结局一样，她的结局亦充满了悲壮的圆满。

和动画电影《百日红》一样，讲述葛饰北斋和他的女儿葛饰应为的故事。

真正的大师就是不断精益求精，专注的力量太了不起了。

如果再能活五年，九十岁的他说，那我就可以成为真正的画工了。

看过BBC的纪录片《葛饰北斋：为画痴狂》，所谓的大师就是追求极致的艺术，不断精进自己的修为，而三女儿阿荣一辈子追随父亲学画，凭借的也是一腔热爱，光和影构成了世界上的颜色，观察力有时候比天赋和努力重要，坚持做好一件事不一定有收获但一定会有进步的空间。

在太阳般光辉的父亲旁边，阿荣就像是月亮。

一直以来都在父亲光芒之下，这个姑娘懒散任性不做家务也不懂得收拾自己，爱喝酒爱抽烟，还有，热爱与绘画有关的一切。

她对火灾有着执着的痴迷，因为她总是很好奇，到底用什么颜色才能画出一模一样的火焰？

这个姑娘这份执念让我想到了芥川龙之介笔下《地狱变》那章节的故事，追求极致的人身上莫名就有一种吸引力。

她立志把父亲当成追赶的目标，为了画好美人图，她就跑到妓院去观察艺伎，为了调配出独一无二的颜色，她静下来看光影的变化，为了画出惟妙惟肖的春宫图，甚至去找男 妓...

就是这样一个放在今时今日也看起来颇为大胆的女子，在她的一生中，把最好的时光都奉献给了爱好。

她无法超越父亲，甚至很多作品都是辅助父亲完成，自己留世的作品和父亲的三万多幅作品比起来少得可怜。

在她被人批评技法不佳的时候，她的要强和坚韧无限放大，一面是不服输的气愤，一面是立志要赶超自己的决心。

夜樱图 经历了被休归家、情人英年早逝、至亲离去都不曾动摇过她坚定的信心，面对喜欢的事，不管酷暑严寒，无论通宵达旦，都是一种享受。

阿荣的画吸取了西洋画的特点，光影感和空间立体感强，父亲看到画到睡着的阿荣身边那幅夜樱图，不禁要多瞩目片刻。

唐狮子图 有爱好和想做的事是极其幸福的，最近在看《熊镇》，巴克曼用玛雅妈妈的语气写了一句：“永远不要信任那些在人生中找不到真正喜欢的事物的人。

”而那种执着在自己爱好里的人，为努力增进战斗力努力的人都会闪闪放光的。

那些许微弱的光亮，可以照亮他们前行的路。

随心所欲地沉迷爱好，不是谁都可以做到的。

吉原夜景图 P.s.几乎不施粉黛的宫崎葵献出了绝佳的演技。

而龙平尼酱的古装扮相又让我浮想起《御法度》的惊鸿一瞥。

三曲合奏图最后附上2015年末为《百日红》写的影评https://movie.douban.com/review/7684850/

于某个闲暇午后静心欣赏毕，坦言沉浸式共情几度潸然泪下。

该片主要讲述日本江户时期浮世绘大师葛饰北斋三女葛饰应为(荣)的艺术半生，是值得尊敬的一名优秀女性画师。

开篇指出葛饰北斋贯彻的绘画理念’世界是由圆与线构成‘，而后荣探寻并开辟自我创作风格，延展为‘世界是由光与影构成‘。

对颜色尤为着迷，远际屋宇燃烧盛景与花街柳巷微妙光影，成为其迸发创作灵感的来源。

只可惜‘画技跟不上内心传达‘，猝不及防的创作苦痛难以消解，‘满意‘并不是轻易脱口而出的词汇。

遵循父亲教诲，忍受耻辱，拿出毅力不断挣扎。

究竟如何才算是真正的画家？

或许，提出思考本身便是在试图碰触答案。

艺术家不自知在于不自足，艺术生涯终是漫长岁月积淀。

片名中‘眩’可谓题眼，取译者‘目眩神摇’十分恰当，至于传达呼应大抵在：容初次接触绘画的感受、荣对父亲的仰慕、善次郎与荣之间的情愫。

再提影片细节点扣体现为：猫与金丝雀、手握画笔、吟唱歌谣。

演员演技全员在线且自然代入融合，宫崎葵层次感微表情演绎较为惊艳。

另，配乐部分确为一大亮点。

整片偏向艺术史纪事，穿插介绍葛饰父女众多经典传奇佳作，其背后蕴含的匠心精神与人文情怀显然更为引人注目。

同时，出场人物细腻饱满的刻画，有感令历史愈发鲜活深刻。

早就看完了，一拖再拖到现在才动手打字，甚至在刚刚打下题目的时候都不知所措，一开场是小小的阿荣拿了画笔，父亲教她把图形排列组合画画。

一瞬间女孩长大了，不同于小时候的灵巧乖顺，她衣着随意，松松垮垮，走着毫无规律的外八，来到画室，受到母亲指责毫不在意，自顾自的抽着烟，远方响起起火的讯息，她飞奔过去，说着“好美啊”，眼睛尽情吸取火的艳色，善哥——最了解阿荣的人也登场了。

北斋先生接到荷兰人的委托画兰画，阿荣在调制着颜色，善哥看出了她想完完全全按照自己的想法调色，试着画自己的画，不居于父亲的光环下。

善哥接着带她去了妓院，已经晚上了，那里灯光燃燃，艺妓们或弹奏乐器，或翩翩起舞，阿荣的眼里看到光和影构成了颜色和形状，此后画海沉浮，究此一生，她都在追寻光和影的意义。

外国人的订单完成的不尽人意，父亲说“三流的画家也能胜过一流的外行”，永远没有完美的作品，最好的作品永远都在下一幅，一生都挣扎在画技跟不上自己的想法。

父亲在中风的时候，几十年不见的老冤家跟他说，你想画的，想挑战的不是还堆积如山吗，让他重新站起来，拿起笔从零开始，父亲四岁就能握笔不发抖，而休养了很长时间重新拿笔颤颤巍巍，真的令人心疼，苦难中诞生辉煌，古稀之年父亲身体更加灵活，画技更上一层楼，创作出了大名鼎鼎的浮世绘，从此无人不知北斋的名字。

在父亲患病的时候，阿荣认识到自己的自私，“不想失去作画家的父亲”，在母亲去世的时候也反思自己满脑子想着父亲的事，一点没有为母亲考虑过。

善哥的出现，带来了意想不到的信新色彩，也带来了头晕目眩，阿荣最终还是向温柔屈服。

不过她知道那是暂时的，对善，她想倚靠但是又不敢倚靠，事后满不在乎，重逢毫不惊讶，但又在善家起火的时候逆行。

善总是那么懂她，阔别三年仍然能清楚地看出阿荣跟父亲的笔触的区别，跟她说“你也是我的光，让人目眩神摇，耀眼夺目的光”，最后两个人相知却不相守，阿荣送走了善哥。

对于父亲，不仅仅是敬重敬佩，还有嫉妒与不甘。

恨自己没有作画的天赋却偏偏喜欢上了画画，让自己如此痛苦，父亲是自己的光，照亮着自己，而自己就在暗影下面，永远无法盖过父亲。

父亲九十岁画潜龙图，说还能更好，只求老天开眼让他再多活几年。

阿荣在父亲去世的时候哭着说，我也想画的更好一点，令人动容。

最后，她画出了她这一生追寻的光与影，在光和影中找到了自己，死亡不过是一场长梦。

葛饰应为的一生————遮盖在父亲阴影下的一个小有名气的画家，小葵演绎的入木三分，更加成熟与内敛。

跟九年前的笃姬对比，随着时间线的发展，幕府从宴宾客到楼塌了，江河日下很难不忧伤，但笃姬的主基调是向上的昂扬的，就像打怪升级一样，不管多么困难最终都能找到去解决办法。

但应为不一样，远达不到父亲那样的高度，天赋已经限制了她，纵使多么喜欢画多么努力画最后也无法超越父亲，或者与父亲比肩，感觉更像夏季限定的茉莉，不是国色天香，只是在一角，开着小小的花，散发着淡淡的清香。

剧的基调也是宁静的，内敛的，很多东西需要仔细品读揣摩。

最后这两张图，以此自勉。

笔者并非熟稔绘画之辈，近期无意间接连观看了林权泽的《醉画仙》及《眩：北斋之女》，当然《醉画仙》是很老的片子了，一个是国画一个是浮世绘也没什么可比性，只是题材相同，想到这里浅浅谈一下两部影片。

醉画仙《醉画仙》是讲朝鲜末年国画画家张承业传记片，从他年少贫穷，绘画天才被赏识讲到成长成一个朝鲜人尽皆知，一画难求的画家、再到清朝末年朝鲜的风云激荡。

而《眩：北斋之女》可以说《百日红》的真人版吧，主角是赫赫有名的日本浮世绘画家葛饰北斋的三女儿阿荣，故事是关于父女两人如何献身于绘画不断革新画技的故事。

相比《醉画仙》的个人史诗和时代激荡，《眩：北斋之女》将焦点集中到了阿荣倾其一生追随父亲，寻找绘画中的光影色彩，这让本片有了一种别样的精巧感，绘画和阿荣看似不羁却又细腻的女性情感相互辉映，别有一种韵味。

宫崎葵此次的表演着实亮眼，大概也是到了一定的阅历和年龄，脸上不仅仅是少女颜的萌感和温婉可人的娴熟感了，一面是不羁的倔强，一面又有一种淡然和洒脱，真让人喜欢。

阿荣是一个非常有魅力的角色，不到三年就和丈夫离婚，不化妆，头发乱糟糟，几乎就是一个落拓女画家的形象，可是她却又是非常有女性魅力的，歪着身子抽烟喝酒很有风情韵味，而且也非常痴情。

这个‘痴’最重要的是对于画画的痴，她对画的痴迷是贯穿始终的，是人生唯一重要的事情，她对父亲的情感其实更多的是对父亲的画的迷恋，以及想要追寻父亲的脚步成为更加优秀的画家甚至超越父亲。

所以她在父亲病倒后那么生气地要父亲赶快拿笔画画，她对父亲的崇敬基本上都是来源于父亲令人称奇的精湛画技，以至于她完全忽视了这个家庭总母亲的存在，直到母亲去世才突然发现母亲在自己心中的存在感是很低的，哪怕她每天都在家里念叨着阿荣。

另一方面她的‘痴’是对善次郎，这份感情其实有些隐忍，或者说被阿荣内涵到对绘画的痴迷里了。

因为善次郎也是一个画家，而且是一个很优秀的画家，阿荣是知道善次郎生活是很风流的，整日和艺妓混在一起，但她仍然非常崇敬他，或者说是两个灵魂的惺惺相惜吧，因为他们俩太懂彼此了，有时候太明白对方的两个人是很难在一起的。

有两组描写两人镜头特别的美，一个是善次郎带着阿荣去看歌舞伎，两人坐在小船上，阿荣在前景是清晰的，善次郎在后景有些虚焦。

其实这可以看做两人关系的隐喻，善次郎在阿荣心里其实一直是一个犹如灵魂一样的人物，她最终找到关于绘画的光影的真谛也正是因为和善次郎看到了歌舞伎在夜色中的繁华喧嚣，或者说是在她垂垂老去的时候悟出的关于人间情爱、风月寂寥。

还有一个非常打动我地方就是阿荣在母亲死后和善次郎坐在河边，说起善次郎和那个叫阿泷的艺妓同居。

阿荣伸手摸善次郎的脸，善次郎也抚摸阿荣的脸颊，两人就这么看着，阿荣在流泪，那种眼睛里的深情呼之欲出。

她说：善大哥的温柔是毒药，我还是服下了毒，感到头晕目眩。

这么描写爱情就对了，一个电影如果将爱情那一定要让观众相信男女主人公在相爱，它必须拍出能让观众感觉到荷尔蒙的地方，比如《甜蜜蜜》在狭小的空间里李翘穿衣服又脱衣服，那种男女间微妙的情感马上就能传达给观众。

而《眩：北斋之女》里这个动作让我第一次从合作过很多电影的松田龙平和宫崎葵身上看到了cp感，我会觉得，啊，他们俩在这个瞬间难道真的不会为对方动心吗？

阿荣和善次郎的情感是很复杂的，他们几乎是一起长大，又在阿荣丧母之后有了亲密关系，阿荣是很敬重善次郎的，他是一个很不错的画家，但两个人的人生追求却特别不一样。

阿荣把绘画当做毕生的追求，基本上就是一个画痴，但善次郎活得很随意，欣赏欣赏歌舞伎、失踪后拖家带口地开了青楼。

这样的两个人也不太可能有结局，所以阿荣将爱情内化入了绘画，而善次郎则将阿荣悬置在了心中的某个位置，就像他最后对阿荣说的在我心里你也是让人眩目的光，或许善次郎放弃绘画也是因为阿荣这光太过强烈，在令人眩目的强光之下是无法睁开双眼的。

两人的最后一面，几乎就像从来没有分离过一样，阿荣见到善次郎也不像与生死未卜的人重逢的喜悦，从某种程度来说，善次郎已经成为她心口的朱砂，笔下的月光了。

龙平的好演技基本不用吹了，如果把世界上的男演员划分成不同的类型，比如偶像型、演技派......我都要单独给龙平划分一个种类，他身上那种感觉特别难用词语来描绘，喜欢的人就会非常喜欢，不喜欢的就会觉得他长得很奇怪。

虽然个人特色非常鲜明，但神奇的一点是只要龙平穿上善次郎的衣服，说出善次郎的台词，见到阿荣那么‘哟’的一声，就会让人觉得很有说服力——这就是善次郎，或者说善次郎就应该是这个样子。

这也是龙平独特的能力吧。

从小眼神就很有杀伤力的龙平虽然是讲葛饰北斋的女儿阿荣，但北斋先生的戏也是非常重要的一笔，其中他和马琴先生亦敌亦友的竞争关系，他“上天再给我五年，我可以画得更好”那种画家对画技的无限追求实在是非常感人。

这和《醉画仙》里张承业将自己的画撕碎，放弃模仿中国笔墨想要开创自己画风有异曲同工之处。

我在想，画家，或者说但凡是真正的艺术家或许都有那么一股不服输的劲儿，当然这种不服输主要是针对自己的，一直希望自己好一点，再好一点，这也是北斋对女儿阿荣说的话。

其实这里关系到一个对技与艺追求的探讨，《醉画仙》和《眩：北斋之女》看似更多的是关于画家技的追求，但两个故事都在谈画家的风月情史，张承业的人生里须得有酒有女人，他是多情的又因为这种单纯的情活得不入俗世，在颠沛的时代中很是痛苦，而阿荣也是因为和善次郎的这份情缘领悟了光影之美在于明与暗......其实可以把这种生命际遇当做‘艺’，它和‘技’是相辅相成的。

‘技’是画技的精进，是一种基本功，而‘艺’在于一种对生命的感知能力。

葛饰北斋好像有一句很有名的话，他说‘我出生的时候就是五十岁’，大致的意思是他的绘画生涯的开端是从五十岁开始，这里说的当然不是绘画技法，而是一种人生阅历。

就像高更，他年轻时不过是一个普通的人，后来抛弃一切成为画家，到塔希提岛上创作出了惊世名作。

虽然不是每个画家都有如此奇幻的际遇，有如同天启一般的绘画表达冲动，但经过岁月积淀，风月洗礼，笔法或许并未变化，但下笔却又‘却道天凉好个秋’的深邃与淡然。

画家画山，画水，最终需得移情万物方能让万物着得我色彩，绘画、艺术是能够让人目眩神迷的，但最让人眩目的却是风月情爱，是生命编织的光影和色彩。