理发师陶德

惊悚歌舞剧情片，讲述受法官塔萍陷害，被迫流放他乡15年的陶德，多年后，他重返英格兰，与馅饼店女老板一起联手，开始了血腥的复仇之路的故事。

男主角将内心世界演绎得淋漓尽致，高雅的变态杀人狂，由充满愤怨的复仇之人渐变残酷的嗜血之徒！

氛围鬼祟，歌不错，伪歌剧，挺血腥的！

蒂姆·伯顿与德普叔的经典搭，哥特式的暗黑风格，将血腥诡异通过歌舞剧的方式来表达，可以说“秀色可餐”。

冤冤相报何时了？

放下剃刀，立地成佛！

理发师陶德。

这一次Tim Burton依旧没有让我失望。

从头到尾的哥特尽收眼底。

脸颊苍白，眼窝深陷，眼眶漆黑，头发凌乱，暗色的街道天空空气以及人物的服装。

唯一鲜艳的，只有那汩汩流出的鲜红的血液。

更让我惊艳的是，这是一部歌剧。

在恐怖幽暗的伦敦街头，缓缓唱响。

If I can't fly,I'll sing.I'll steal you,Johanna.漫不经心地唱起身份不同的人，牧师，诗人，流浪汉，皇家海军，乡绅，律师，杂货商贩，花花公子，牧羊人，政客，修道士，演员。

其实只是在谈论他们或许不同的味道，肉的味道，新鲜出炉的肉饼的味道。

这又让我想到了李碧华的《人头叉烧包》。

也是吃人肉的故事。

而一个恐怖的故事背景下，却可以唱出华丽而又动听的歌剧，着实让人欢喜。

依旧是报仇，故事有点老套而且略显单薄，我承认，但怪诞和神经质的气息让人觉得并不是一成不变的套路就会感到烦闷，最起码，听着有时拉维特太太略带调侃的欢快歌声，真的能让人感到一种特别的畅快。

而歌曲本身也增加了电影的厚度，让故事和人物更加丰满。

好像这种歌唱的表达方式在Tim之前的一些作品中也有过体现，如《僵尸新娘》《圣诞夜惊魂》《查理和巧克力工厂》等。

只不过，这一次是大范围地酣畅淋漓地唱了一把。

因为仇恨和对妻女的爱，最终让Todd走上了变态的毫无道理的杀人之路。

杀人的过程看上去是那么轻松自在，就在他一遍一遍地唱着对妻女的思念中，牺牲们就一个一个地被迫喷涌出大动脉的血液，红色的血液，看了着实让人有一种兴奋感。

有时候，杀人也是一种艺术。

这一次的男女主人公，依旧是Tim的御用演员Johnny Depp和他的妻子Helena Carter。

这两人不但演技出色，而且没想到唱得也那么好。

很有前途其中的19个唱段包含了独唱，对唱，轮唱等，歌唱在对电影的表现上无非起到了深厚的作用，而每一个唱段的出现，也是角色表达情感最好的方式。

当然，除却黑暗本身，Tim还是采用了他一贯的风格——谐谑的轻快的幽默方式，这体现在拉维特太太想象与陶德开始的新生活，影片一下子从沉闷压抑的气氛中跳脱出来，飞到海边，阳光沙滩和碧蓝天空，陶德意就是那副沉郁的表情，而我们亲爱的会做出好吃的人肉馅饼的拉维特太太却有着小女人的幸福光环，她退却黑色的天鹅绒裙子，换上海蓝色和浅粉色的长裙，最后还穿上了洁白的婚纱羞答答地说出那句“I do”。

她是爱陶德的，但她太爱了，所以她也是愚蠢的。

值得一提的是，在看电影的时候，我从演员的声音里听出了一些端倪——这次Tim动用了强大的斯莱特林们。

比如演法官的是斯内普教授，法官跟班的是虫尾巴，海伦娜就是当年亲手解决小天狼星的姐姐贝拉克里斯特！

哈哈！

最后说一句，我真的晕血啊……那血流的……

剃刀这东西很奇怪，刮脸刮胡时没有人能够注意它，但当它被用来割开一个人的喉咙时，剃刀便成为了一件艺术品，银光闪闪的刀锋与红艳艳的血滴相应成辉，很是好看，而且两者缺一不可，这便是人类的嗜好！

―――韩兮蒂姆•波顿的名号不用特别强调，约翰尼•德普的帅气也是世界闻名的，而两个人的合作向来是值得期待的，这次也不例外。

看完此片，笔者在考虑一个对于中国观众来说相当重要的问题，那就是风格与故事的关系。

客观的说，此片形式是远远大于内容的，至少我们看到了舞台式的景致，黑暗阴郁的色彩，还有那些好听而令人神经贲张的唱词，这所有的一切都是形式的明显表现，这也难怪，影片是脱胎于一部得奖无数的音乐惊悚剧。

而反观内容呢，其实相对而言是较为简单的，一个无辜受害的理发师，被流放了十五年后返回故里已经是妻离子散，于是他开始了血腥的报复。

西方有着传统的歌剧历史，尤其是一部有关复仇题材的歌剧更会长演不衰的，于是我们似乎不难理解西方人对此片形式大于内容的观影习惯，但作为一个东方人，为什么也会沉溺于此，在整个观片的过程中似乎根本意识不到那些形式呢？

甚至还会陶醉在形式所渲染的氛围之内呢？

一个简单的故事佐以一个复杂的形式，其实是制作电影时的大忌。

但影片中几乎所有的形式都毫无疑问地为影片故事服务，这一点说起来十分容易，但做起来的确有着相当大的难度。

首先便是影片最强烈的色彩问题，近似于黑白的阴郁气氛，这是蒂姆•波顿最拿手的哥特氏风格，诡异，混乱，肮脏，你可以将一切你能够想到的黑暗气息的形容词放入其中，于是，这种影像所传达出来的便是与这些形容词密切相关的观影感受，而影片故事恰恰与这些感受是极度符合的。

换句话说，这是一个顺时的解读，没有任何反差，只是简单地为故事服务。

当然，我们可以想象用一种极度明亮的光色来拍摄这部影片，所有杀戮与色彩便形成了对比的关系，那么这个世界将变成什么样子呢？

一个美好的世界，陶德却因自己的疯狂而胡乱杀人，即便他有着相当充分的复仇理由，在观众心中他依旧是一个变态杀人狂，于是，他的悲剧身份便降低了许多。

只有哥特氏的色彩，才能证明在这个充满了罪恶的城市中，陶德的选择也许是唯一的，虽然可怕却值得同情，虽然罪恶却出于无奈。

其实色彩为影片内容服务相信每一个导演都会清楚的，但很可惜，国内许多影片其实将色彩更赋与了故事以外的含义，类似于中国红的情结等等，理发师陶德中的色彩虽然强烈，但始终没有涉及到故事以外的任何内容，所以它只是为故事服务，绝没有替导演言志，这一点是相当重要的。

由于本片脱胎于音乐惊悚剧，所以片中的歌唱段落很多，细看这些歌词，很通俗很易懂，几乎是完全为推进剧情发展而写出的，对于那些也许不喜欢歌剧的人来说，并没有任何生涩之处，反而让人感到有趣，好玩。

而影片中的场景也具有相当的舞台效应，这一点是非常值得强调的。

把一个扭曲的人格放在狭小的空间中是非常具有寓意的，而整部影片中，几乎所有的场景都是狭小的，这些空间将这个世界分隔开，造成一种人与人的疏离感。

但即便是在这样的狭小空间中，导演蒂姆•波顿的摄像机却是运用自如的，不仅仅是角度与景别的问题，更有调度与节奏功底。

可以看出，舞台式的空间以及布景中，镜头的转换还是标准的电影感觉，甚至是标准的好莱坞式镜头感，当然还有雾蒙蒙的景深，这令所有人都不会感到舞台的真正存在。

所以这样的形式在无形中也被消解掉了。

其实，说到底影片这所有的风格都是为故事所服务的，故事的成败才是最主要的，相对这么一个简单的故事，人物以及人物的命运便是灵魂了。

理发师陶德在约翰尼•德普的演绎下具有相当的特质，那种绷紧的神经，那种沉稳的富有诗意的谋杀等等，都将观众牢牢地吸引到了这个人物的身上，这绝不是偶像一个词所能解释的。

影片中其它角色也相当出彩，当然安东尼的扮演者略显稚嫩，反而不如少言寡语的约翰娜。

所以说，影片故事虽然简单，但却是一种复杂的演绎，演员的细节表演加上命运的转折与无奈，这一切都令观众仿佛窒息一般，心中不免会唏嘘不已。

单说形式与内容的关系未免有些空洞，其实本篇评论的解读同样是空洞的，但如果抛开形式，单纯地为内容拍电影也许反倒可以解决类似的问题，谁知道呢？

韩兮2008-1-31于通州

为了复仇，改名为陶德的巴克重新拿起剃刀，将走入那间屋子的人们一个个割喉，再经暗道直接送往楼下拉芙特夫人的肉饼店，经过加工做成人肉派。

这种残酷的手段真是让人深觉痛恨与残忍！

但这同样体现了当时伦敦混沌的社会现象，真是不堪入目！

电影的画面都有阴暗为主，给人一种阴森、恐怖、绝望的感觉 由于本剧是有歌剧改编，因此其中也相对插入了一些歌曲，以表现人物当下的心情与想法 综合来说，感觉还是不错的吧

于是金小姑娘的运动员前男友没有死，所以爱德华也不必有负疚感，与金结婚过起了幸福快乐的生活，还生了个女儿（……别问我机器人能不能生孩子）。

然后法官斯内普（也许是被甩之后奋发图强的前男友，也许不是）带着跟班虫尾巴驱逐了爱德华这个剪刀手机器人，还抢走了他的妻女。

十五年后爱德华重返故里，在贝拉克里特斯表姐（……很穿越吧，我看见艾伦大叔唱“吧吧吧吧吧吧吧”也觉得很穿越啊！

仿佛看见了斯内普校长继承前任的爱好哼小曲呀！

顺便问一句如此哥特的波顿夫妻俩生出来的孩子到底得有多哥特呀！

求照片！

）的帮助下开始了复仇之路，而最后……他终于与妻子永远在一起了。

凡人陶德尚如是，何况怪物爱德华。

感谢前男友的奋勇牺牲，让爱德华可以一辈子待在高高的城堡里往小镇上洒忧伤的雪花。

这是一部伟大的电影。

从茱莉亚·罗伯茨和梅格·瑞恩开始，我沉迷于浪漫爱情轻喜剧，我需要一部又一部，忘掉爱的纠结，情的阴郁，只剩甜蜜心动，像胖子需要甜甜圈来让他们忘记减肥的苦痛，我需要爱情片麻痹为爱情受伤的心。

但真相就像是《理发师陶德》。

看完这片子，我大概很长一段时间根本不再需要什么特别的爱情故事，因为爱情本就没有什么特别。

爱情就像漂亮女人的新衣服，明天的她不会比今天的她穿得更美，因美貌已随着时间与日剧减，新衣服只是带来点儿新鲜感，麻痹眼睛不要关注到这一真相。

《理发师陶德》将这道理说透，爱情没什么特别，尘世的红男绿女，都只是徒劳在寻找些爱情的新鲜感，真正爱情已经叫人厌倦。

蒂姆波顿给我们讲了四段俗到爆炸的爱情，揭示给我们爱情是有多么乏善可陈。

男人的爱情，失去一个最爱的人。

约翰尼德普带着他的诡异笑容和天生忧郁来演出一个复仇男人，一个失去了他深爱的美丽女人的男人。

请问哪个男人爱得最深的一次，不是已失去的那个美丽女人？

女人的爱情，爱上一个永远不会爱你的人。

长得和约翰尼德普一样诡异阴郁的海伦娜卡特来演出一个独自坠入爱河的女人。

请问哪个女人爱得最深的一次，不是独自坠入爱河？

女孩想离开，男孩想拯救。

在所有童话中，我对《莴苣公主》印象格外深刻，莴苣公主是个被困在城堡里的长发女孩，她无法逃脱被囚禁的命运，（当然，每个女孩儿都无法逃脱被囚禁的命运，对这该死的命运有兴趣，可以参考另一部伟大的电影《处女自杀》，女孩告诉你，什么叫做不自由毋宁死）只好放下长发，发现她的那个王子，就可以顺着长发爬上来拯救她。

莴苣公主爱王子吗？

这才不是重点，管他是王子还是卖肉的，姑奶奶要的只是离开这该死的地方。

而男孩要的，就是拯救一个莴苣公主，莴苣公主爱我吗？

这才不是重点，我管她是公主还是自闭症，大爷我只想骑白马或者骑哈雷拯救一个女孩，总之就要做《托宝奇兵》里的哈里森·福特就对了。

每个人的爱情，从始至终不会有什么改变，爱得都是同一个幻像。

你看，蒂姆波顿的电影里都有个金发纤瘦苍白五官精致女孩，就像张艺谋的电影里都有个性格执拗的农村女人或者叫秋菊或者叫魏敏芝或者叫静秋。

在《剪刀手爱德华》里，我挚爱的薇诺娜赖德一头黑色短发人间蒸发，被改成他要的金色卷曲长发，在《理发师陶德》里则找来了照葫芦画瓢的珍妮·怀森纳，我打赌他才不在乎那女演员是谁，她们都是蒂姆波顿女孩儿而已。

男人在男人的世界里，女人在女人的世界里。

陶德刚刚搬回洛维特太太的楼上，准备开业的那一段，陶德和洛维特太太一个在说自己的复仇计划，一个则在倾诉衷肠，两人根本没有任何“交流”，都在自说自话。

这一段我简直太爱了，完全将男人女人内在不可调和的东西，如此明白无误地具体展示出来。

像直接挖出两颗心脏，拍在桌子上，“看，就是这么不同！

”还有一个我最喜欢的，就是蒂姆波顿疯狂地描述了爱情。

洛维特夫人很动人，她做足了一个女人为了爱情可以做到的一切。

爱一个男人，洞悉了他的一切，他的爱情，他的仇恨，他的计划。

爱一个男人，帮助他在菜市场一夕之间扬名立万。

爱一个男人，帮助他杀掉所有其他人，我甚至还可以帮助他把尸体剿成肉馅，毁尸灭迹。

爱一个男人，最终死在他的手中，被他推进地狱一样万劫不复的火焰。

维洛特夫人只是个普通女人，她向往着幸福生活，想给陶德的店里加点雏菊或者紫罗兰，她爱着小孩儿托比，虽然只是打杂的，她一心劝说陶德放弃复仇，和她结婚，到海边生活。

这一切，都是这阴郁的电影，或者我们阴郁生活中最美好的部分，属于普通女人的部分。

正是蒂姆波顿把她描画成一个普通女人，那些为爱情而做到的疯狂才异常动人。

　　观看《Sweeney Todd》的电影版，大概是我观影经历中最专心和最不专心的一次了。

　　说专心是因为作为对其词曲作者Sondheim的拥蹙，对电影版期待已久，在知道剧情的前提下，每一个细节的表演和画面都仔细琢磨。

说不专心是因为对百老汇音乐剧版本（主要是指1982年巡演版本）烂熟于心，所以每到一处，都在和它作比较。

　　不比较则已，一比较则有诸多地方不满意。

作为音乐剧版的忠实拥蹙，首先自然是对曲目删减的不满。

我看到下面有许多评论者抱怨音乐不好听。

但你们是否知道，Sweeney Todd中最棒的一个唱段，开场曲“The Ballad of Sweeney Todd”被删减去了【同样，这首曲子结尾的再现也被删去了】。

现在的开场“No Place Like London”，实际上是几个宣叙调的结合【我并没乱用歌剧术语，Sweeney Todd虽说是音乐剧，但Sondheim基本是按照歌剧的格式写作的】，再加上这几个宣叙调的旋律走向过于不和谐和阴森，给人的第一印象就是：旋律不好听。

但是，如果第一印象是原本那首“The Ballad of Sweeney Todd”的话，至少在感觉上会有不同。

更要命的是，“The Ballad of Sweeney Todd”事实上是全剧最重要的一个主导动机，本来是要在全剧再现五次的，现在自然这些再现也一并删去，只在“My Friend”唱罢后，在背景音乐处演奏了一小段。

　　　　若不考虑的Judge Turpin的Johanna【过于猥琐所以连舞台上都几乎没演过】，另一个被删去的唱段是四重唱Kiss me【不过据说是拍了这个段落的？

但我看的版本中没有出现】，又恰恰是一段较为抒情悦耳的旋律被删去了，随之被删去的是执事的那段“Ladies in Their Sensitivities”，可惜了一段优美花哨的男高音。

另外，Anthony初遇Johanna那场，在唱“Johanna”之前一段铺垫“Ah Miss”也删去了。

　　由于原本的音乐听得太熟悉，所以对曲目方面更大的不满是曲目内部的删减。

最觉得惋惜的是Toby吆喝生发水的那段“Pirelli's Miracle Elixir”以及人肉派生意兴隆的“God That’s Good”，原本都是有顾客的合声部分的，现在统统被删去，显得单薄了很多。

“Pirelli's Miracle Elixir”的变奏段落也随之被删去了。

Todd杀人同时Anthony寻找Johanna的那段“Johanna”，本来是个三重唱，也有Johanna本人的部分，现在也被删去了。

　　我列举出被删去了的段落，并不是炫耀自己对原先版本的熟谙程度，况且哪怕是百老汇的版本也因为总谱太长而有删节。

　　关键在于：Sondheim音乐剧最有魅力的地方本就在于词、曲、剧情、理念的完美结合。

也因此他的旋律往往不会刻意往优美的方向行进，而是符合此情此景，几乎不可能把sondheim音乐剧的某一首曲子单独拿出来看，你会发现所有的曲子都是有机地结合在一起的，而曲子部分又通过歌词和剧情和理念联系到一起。

所以说，在我看来，删节对于别人可能无伤大雅，对于Sondheim音乐剧是不能忍受的，想要理解这一点，最好要对着Sondheim那些witty又富有深意的英文歌词来看。

　　Sweeney Todd的故事是个被讲烂了的老故事，现在大家都知道这点。

Sondheim的奥妙之处是它如何阐释这个故事，这就得落实到唱段安排上。

如同已经提到过的，主题旋律“The Ballad of Sweeney Todd”的删去，一个直接效果是，前半个小时在音乐上面有些闷【“The Worst Pie In London”是个例外，但这个连演员动作也考虑，不断切割变化乐句长度的sondheim招牌式唱段，听惯韦伯式音乐剧和欧式歌剧的听众又不是一下子能接受的】，但有心人都会注意到，这些旋律几乎都不是单独拿来作咏叹调唱的，每一个唱段几乎都有其隐含的意思在里面，而这些意思需通过后面的再现才能真正得以展开【电影版事实上删减了其中一些再现】。

可以说，开场半个小时的唱段虽然在旋律上充满了不和谐音，但就整个剧的结合来说，它的和谐感比后半段较为优美的by the sea，Johanna, not while I’m around都要高，开头几个唱段需要细细品尝，你会发现那些看似不动听的音符放置地恰到好处。

　　光这样说其实还是太抽象。

我就来简单说一说电影版的几处改动：　　1．最重要的自然是“The Ballad of Sweeney Todd”的删去，但这个改动可以说是电影版的无奈之举，不然Tim Burton不会拍了段落又弃之不用。

音乐剧版本的“Sweeney Todd”事实上自始自终都是在讲故事，而“The Ballad of Sweeney Todd”的五次再现事实上是故事外的讲故事者的口吻，但演员还是故事中这些演员，这五次“The Ballad of Sweeney Todd”事实上是一个“歌队”的作用。

这一点，是电影叙事手法很难处理好的。

Tim Burton最终放弃了这一点，也确实是明智之举。

然而，毕竟这造成了整个剧的基调在这里有一个微妙的变化，电影版的视角和音乐剧版的视角事实上有着细微但重要的不同。

不过既然Tim Burton放弃了1979到1982年音乐剧的黑色幽默处理方法，而是减少幽默感，增加阴森和恐怖感，那么这一删减也是在情理之中的。

毕竟，Burton是在延续了他本人一贯的视觉风格。

这个故事已那种方式处理更好当然见仁见智，只是在Sondheim的优雅讽刺和Burton的故作正经的坎普之间，我两者都爱，却更偏向前者。

2．Anthony和Johanna的互动。

这一段的是剧情上损失最多和改动最大的。

电影版的一个处理是Johanna在唱自己的心思的时候已注意到Anthony，一边唱一边向他抛媚眼。

可在音乐剧版本里，Johanna一直都没有特别注意Anthony这个人，多年的禁闭生活让她有些小疯癫，这一点在不幸被电影版删减的“Kiss Me”里表露无遗：都要私奔了，连对方的名字都没有搞清楚，完全是惧怕法官外加小女子疯劲，纯粹为私奔而私奔，根本不管对方是谁【虽然82年巡演版演的有些太过火】。

很明显的是，为了节省时间，整个Anthony和Johanna的唱段几乎被删节光，只剩一人一段咏叹调，可是这样一来，这段情愫的浪漫主义部分被推得太过头了。

Anthony 可是姓Hope的，可是Hope的部分几乎没了，就是一个一见钟情一股闯劲的傻小子。

Johanna更是完全成为个冰清玉洁，守身如玉的好女子，原来的疯劲一点都没保留。

确实，这段情愫是Sweeney Todd中比较光明的部分，也有其意义。

但电影版的这种改动我看来味道大失。

　　这两个是最大的问题，其他小细节就不一一详述。

　　最后来说说演员的唱功了，这也是一个伤心处。

Depp的演技不错，可是声音方面实在还是勉强，不服气的人对照巡演版来听就知道了。

Sweeney Todd这个角色是一个男中音，但Depp的声线太浮，阴森有余，沉稳不足，在合唱的时候完全压不住，直接影响了几首合唱“My Friend”，“Pretty Woman”，“Johanna”的效果。

Depp完全是靠声音的表演来掩盖唱腔上的薄弱，但由于他的声音表演太出色，所以我们可以睁一只眼闭一只眼。

Anthony和Johanna这一个男高音一个女高音被删减戏份就算了，剩下的两首个人曲目，唱得都单薄地过分，“Green Finch and Linnet Bird”多棒的女高音曲目，被唱得味道全无，也难怪两人没有太多唱段。

　　对于Toby我也十分不满意，本来这个角色depp让一个12、3岁的小孩子来演就不按好心：渲染最后一刻小孩子杀人的戏剧效果嘛【而且还是蓄意杀人，音乐剧版本中Toby的形象是个有些弱智的17，8岁少年，最后杀todd时已半疯了，而且todd自己把脖子架上去的，几乎是半自杀。

】，估计喜爱黑暗效果的人会很满意这种安排。

不管怎么样，not while I’m around原版可是唱得我眼睛都湿了，电影版这个小孩一板一眼，感觉在背歌词。

其实整个剧组的声音都是没有层次，执事和Pirelli的两段男高，一段被删了，一段改成男中【虽说“Borat”的声音挺适合演绎这角色的。

】，法官大人的男低音不够低，“Pretty Woman”的层次感没有表达出来。

我唯一满意的是Mrs Lovette，虽然角色性格有些变味，打上了Burton的烙印，但还是唱出了自己的味道，“The Worst Pie In London”不紧不慢，别有风味。

耐心看到这里的Tim Burton迷不知道会不会对我破口大骂，并教训我说：电影版本来就没必要和音乐剧版一模一样，电影版要有自己的味道，云云。

确实，电影的处理方法本就和剧场不一样，所以我没有提音乐剧版本优秀的舞台调度，因为这和电影没有关系。

而我也确实十分喜欢Tim Burton在将音乐剧转换成电影时的那些独具匠心之处。

“By The Sea”那一段真是发挥了Burton的特长。

Todd和Mrs Lovette的几段对手戏，分镜头切换地恰到好处。

比如“My Friend”和最后一幕的华尔兹。

　　但这只能说Tim Burton拍了一部好电影，并不能说明它是一次好的改变。

对同一个经典故事的处理本就有高下，既然Tim Burton不是直接改Sweeney Todd的民间故事，而是改Sondheim的音乐，就有理由拿Sondheim的标准要求来要求Tim Burton，而很遗憾，我始终认为Tim Burton的改编没有充分保留原作的魅力。

如果有人愿意写一篇“为什么Tim Burton的改编效果比音乐剧版本要好”，我非常欢迎。

　　我读了下面有人发的《外滩画报》专栏上的文章，里面提到Sondheim“建议他请来的40多位朋友们不要费心去考证电影版少了点什么”，而且他说：“想想吧，这是一部电影，可别拿音乐剧的标准去衡量。

”　　Sondheim是只老狐狸，我没他那么沉得住气。

他的弦外之音十分清楚。

也许对《Sweeney Todd》来说，Tim Burton和Sondheim之间并不存在着什么竞争，存在的是电影和戏剧的竞争。

好莱坞鬼才大导演蒂姆·波顿执导、人气明星强尼·戴普主演的“音乐片”《理发师陶德》，2007年12月3日和2008年1月10日先后在美国和英国首映。

莱布雷希特自称是目前世界上“唯一能接触到作曲家史蒂芬·桑德海姆的记者”，他与这位音乐剧原版音乐的创作者详细探讨了该片的成功之处。

　　在《理发师陶德》（Sweeney Todd ：The Demon Barber of Fleet Street）首映之前，身着一件旧毛衣的作曲家史蒂芬·桑德海姆（Stephen Sondheim）建议他请来的40多位朋友们不要费心去考证电影版少了点什么。

　　蒂姆·波顿执导的电影版不到两小时，比音乐剧短了三分之一，而且没有请任何大牌歌手配唱。

有着一对鹰目的桑德海姆是个完美主义者，总是不辞劳苦地考量每个音符的节奏韵律，然后将最完美的作品交到好莱坞的大腕们手中，任由他们处置。

他并没有积极参与改编的工作，奇怪的是，他似乎对结果挺满意。

“想想吧，”他微笑着说，“这是一部电影，可别拿音乐剧的标准去衡量。

”　　蒂姆·波顿这部斯巴达式的精简版，讲述了一首维多利亚时代的史诗。

其手法圆润老练，令观众很容易将陶德时代的同类相残与当下的弱肉强食联系在一起。

邪恶的法官先奸污了陶德的妻子，又霸占了他的女儿，蒙冤的陶德流放归来，拿起剃头刀向法官和拖垮他的城市血腥复仇。

　　线性的残酷叙事，所有的枝节都被剪除。

这是一个关于迷恋、爱、痛苦、恐惧、失落的故事，强尼·戴普饰演的割喉理发师和他丰满的同谋拉薇特夫人令人心悸，他们把受害者统统做成了肥美多汁的人肉馅饼。

波顿采用了黑白画面，令人想起他以前的惊悚片《断头谷》，使得我们在视觉效果上与主人公疏离的同时，却在情感上投入更多的同情。

从讲故事的角度来说，《理发师陶德》电影版作为杰出的再创作，甚至打动了桑德海姆音乐圈子里的那些“纯粹分子”。

首映后，桑德海姆一杯茶在手，开始大加评论。

他的评论太夸张，以至于我一度不敢相信自己的耳朵，不得不请他重复了一遍：“这是有史以来第一部被成功改编成电影的音乐剧。

”　　在你打算反驳之前，请记住桑德海姆可是知情人士。

他是奥斯卡·汉默斯坦的养子，见证了汉默斯坦的成功之旅—从《俄克拉荷马》到《音乐之声》，还为伯恩斯坦的《西城故事》写过歌词。

然而，桑德海姆却将音乐剧改编电影的“首次成功”荣誉给了《理发师陶德》。

我们应该怎么去理解这种观点呢？

　　从严格意义上的分类来说，他是对的。

《西城故事》同所有的百老汇音乐剧改编电影一样，在银幕上显得矫揉造作。

《南太平洋》的电影版中，当《彻底忘记》的音乐响起时画面出现的是海滩风景，而《音乐之声》电影版中老师教7个小孩唱“哆来咪”时的画面是希特勒最爱的贝希特斯加登的山巅。

剧情的停顿是无法掩饰的。

　　这种时候就好像音乐厅里激动的观众拼命鼓掌不惜打断音乐一样，电影的技巧退到一边，故事只能暂停下来。

而蒂姆·波顿的《理发师陶德》中，哪怕是在愉快的《亲我》四重唱时也没有出现情节的断裂。

这是一部纯粹的电影，两位年轻英国演员告诉我，他们得避免去看原版音乐剧或者听唱片，以达到电影所要求的原创水平。

同样，萨沙·巴伦·科恩扮演的陶德的同行对头这一角色，是为电影版特别添置的。

　　音乐剧版的经典地位当然牢不可破。

我看过它在皇家歌剧院的隆重上演，也看过大学生的业余版，还看过约翰·多伊尔的9人演唱精简版。

理发师从来不会让人失望，然而将它搬上大银幕，却困难重重。

山姆·门德斯 2003年买下电影版权，却琢磨了两年都不知道怎样在不打断音乐的情况下把它拍出来。

蒂姆·波顿10年前就表示出了兴趣，这次有好友强尼·戴普和身怀六甲的夫人海伦娜·波汉姆·卡特助阵，于是义不容辞地接手难题。

这两位都能讲一口地道伦敦东区方言，但以前都没受过歌唱训练。

桑德海姆本来以为他们只能半唱半朗诵，结果惊喜地发现戴普和卡特都有一副中音的好嗓子以及良好的节奏感。

戴普的泰然自若很适合表现理发师高深莫测的道德观，而配角阵容从饰演邪恶法官的艾伦·瑞克曼到饰演小吏的蒂莫西·斯鲍尔都是皇家戏剧艺术学院的老戏骨。

音响师迈克·海汉姆对乐队音效的处理更是锦上添花，远好过剧院底部窄小的乐池。

　　这部电影能否实现桑德海姆吸引剧院外多元听众的愿望还有待检验，但在美国因暴力镜头遭到R级评定就已经是马失前蹄，立刻将观众限制到了17岁以上，而在英国，这标准更是被荒谬地提到了18岁。

好在YouTube上的片断已经达到数百万点击率，多少缓解了这种限制。

　　作曲家之所以认为《理发师陶德》是有史以来第一部成功的音乐剧改编电影，原因不外乎这些吧！

不过在经历了几周的思索后，我还要加上一点：我想不出任何现代话剧（无论是哈罗德·品特、阿瑟·密勒、尤金·奥尼尔、爱德华·阿尔比还是尼尔·西蒙）被改编成电影后，能如此成功地甩掉舞台包袱，而人物依旧丰满。

《理发师陶德》绝对是21世纪电影中一部引人入胜、技巧娴熟的佳作。

http://www.bundpic.com/link.php?linkid=2977

这两天看各个博客，仿佛除了爱国，就没有了个人生活。

这样不好，很危险。

人生苦短，看片儿也很重要。

前两天看了《理发师陶德》，因为主演是约翰尼·德普，是我最喜欢的演员，之一。

刚开始几分钟，我还以为是梦工厂的动画片，画面特效做得相当棒，以至于像CG。

看了不久就发现，这是一部很有古典主义色彩的复仇故事。

善良而美丽的妻子，邪恶而强大的法官；被摧毁的幸福生活，被仇恨充溢头脑的理发师；被爱情蒙住双眼的少年，被敌人掳去抚养的女儿。

精心布局的复仇计划，命运交错的阴错阳差，阴谋与爱情同在，鲜血与眼泪齐飞。

以我之见，片子并不是很好看。

在我印象中，约翰尼·德普既不是那个走着猫步的船长，也不是这个手握剃刀的杀人狂，他是那个面容冷峻却内心温柔的机器人，是那个精神分裂却自我圆满的情圣。

他的演出，真是我见犹怜。

而根据传说，德普从来不唱歌，甚至是在淋浴的时候也一向闷不作声。

想想吧，在这部音乐剧中，德普一边唱歌，一边用剃刀在顾客的喉管上割下去……我欣赏不了音乐剧。

那些音乐也丝毫不能激起我内心的波澜。

电影是一种视觉叙事艺术，这部电影的视觉已经够好，但叙事对于我来说是有障碍的。

在我看来，音乐剧只适合爱情。

表达愤怒的是辱骂，表达仇恨的是鲜血，只有爱情，才适合用歌唱来表达。

这部电影中，只有那个少年在乔安娜窗下的歌唱，才打动了我的心。

“乔安娜，我要偷走你……”——这个少年的歌唱，是这部电影中最动人的音乐。

这部电影让我觉得深思的，是一种大众心理。

有一个关于理发的段子：富人理发，心惊胆战，因为害怕理发师割喉，而穷人则把理发当成难得的享受。

这部电影揭示了一个大众心理，那就是潜意识中对于理发的恐惧。

小时候有一个柯达广告，里面一个小孩子围着理发的围布，放声大哭。

成年人看到这个画面，会心一笑，但是没有想过为什么孩子会哭。

也许正是因为他感受到了来自陌生人手中金属器械的威胁。

在电影中，理发师的座椅，是一种刑具的表现。

他用此来惩罚世人，仿佛自己就是主宰世人、终结罪恶的神。

他把剃刀举向空中，欢呼自己的手臂完整了。

这样的情景，让人不寒而栗。

我小时候后，最害怕的恐怖片情节，就是从床底下钻出鬼怪来，因为床底是我的安全港湾，在遭遇恐惧的时候，我可以躲到床底。

对于许多人来讲，理发是一种享受，是放松心情、改头换面迎接新生活的时刻，而理发室也就成了躲避世事喧嚣的港湾。

现在，你身后的理发师，正在露出轻蔑而诡异的笑容，把剃刀伸到泡沫下面轻轻擦拭，问你：先生，要刮面吗？

更让我感到不可思议的是，这竟然是一个真实的故事：真正的斯文尼·陶德确实存在于18世纪末的伦敦，他所杀的人不计其数，被害者的肉被剔除下来送到当时伦敦著名的拉维特夫人的肉饼店卖给伦敦人，仍然新鲜的骨骼被抛弃在陈旧的圣邓斯坦教堂的地下室被人遗忘的墓室之中，骨骼之多，能从地板一直堆到墓室穹隆，骨头上剩余的肉散发出来的令人作呕腐臭弥漫整座教堂，使得做礼拜的人们不得不自始至终用手帕捂住鼻子。

——这是一个多么强大的惩罚者，他连神都嘲弄！

把尸骨放到教堂，真是天才的做法！

看完电影之后，你可以去一家理发店里，感受一下剃刀拂面的快感，与以往的感觉相比，这次的体会肯定更为深刻。

因为你丝毫不敢肯定，身后这个穿着时尚的小子，是否刚刚失恋，他面无表情（抑或带着嘲弄的笑容）的摆弄剃刀，心中是否暗潮汹涌。

而对面那家肉夹馍店，也正为原料上涨而发愁。

如果你期待着一种极致的残忍，残忍到能够让你忘记生活中的一切，而只记得屏住呼吸、睁大眼睛，忍耐着狂躁的心跳注视那被黑色、灰色和血红色染遍了的银幕；如果你需要一种极致成美丽的残忍，那么这部交响诗篇一般的哥特电影绝对是你的首选。

影片乍一开头，伯顿同志就很明智的选用了一段cg来表现魔鬼理发师杀人放血绞肉做派的全过程。

不得不提一下史蒂芬·桑德海姆Stephen Sondheim所作的曲子，配着满屏鲜艳的血色实在是让人在电影院里如坐针毡。

倒不是说画面本身有多可怕，而是桑德海姆先生擅长的、魔鬼般的不和谐音在人们心理激起的本能的厌恶，混合了音乐本身黑暗、怪异而又凝重的意境，简直犹如恶灵一般挥之不去。

你会极力想避开那些令人心神不宁的音符，却在不知不觉间已被它们占据了心灵。

于是那如影随形的音乐的阴霭自始至终回荡在观众脑海中，从德普躁郁的“No Place Like London"到卡特充满虚情假意的怜悯的“Poor Thing",从复仇的交响乐“Pretty Women"直到那个血腥而凄艳的"Final Scene",就算中间有少许"Johanna"一般热情鲜妍的华彩亮点，也被失去爱人的水手安东尼在黑暗的陋巷中唱成了一曲悲歌。

从没有一部音乐剧被如此华丽地再现在银幕上。

从没有一部电影的配乐，不只是在旋律带来的直接感受上，而且是在更加深层的乐曲意境上，激起观众对乐曲、情节和画面的双重共鸣。

那种诡异的不和谐，带着点残忍的幽默，完美地混合了爱与冷漠、凶杀与忠诚、绝望与希望，与影片本身荒诞而残忍的世界观结合在一起，让每个镜头都能成为一段独立的交响诗。

而影片结尾给人的感觉就像一曲终了，桑德海姆一气呵成的音乐整体性也令人叹服。

一直在用“残忍”这个词，而不是“残酷”。

因为德普饰演的这个华丽的复仇者并不是完全地冷酷无情。

他在面对带着妻女一起来理发的男人时也会手下留情，甚至会有点自嘲地背过身不看那个幸福的小家庭。

而另一方面，他也无时无刻不在“忍”：忍耐自己复仇的欲望，也忍耐着内心残存的一丝温情，硬生生把自己变成割喉的野兽。

每次杀人他都念叨着那个魔咒般的名字，女儿的名字“乔安娜”，那种疯狂的温柔令人不由得不寒而栗。

最可怕的其实并不是被爱情驱使而沦为失去理智的野兽，而是像斯韦内这样一个清醒隐忍的杀人狂。

于是我们看着斯韦内，这个背负着深重罪孽向往美好的复仇者，时而歇斯底里，时而阴郁漠然，在劝诱蒂莫西·斯鲍尔（没错，就是哈利波特里演老鼠那个）饰演的法庭官吏时甚至还透出一点杰克船长的花哨浮夸表情来。

但这一切只是为了复仇，不仅是向坏法官（斯内普教授= =）复仇，甚至把狂妄的目标放到“所有街上的男人们“。

这点应该是伯顿同学为自己浓墨重彩描绘杀人狂传奇故事找到的一个折衷点，而且必须承认它不可避免地落了俗套。

但是，如果没有了对这种隐忍的愤怒的一次次深化与重章复唱，我们就欣赏不到在与仇人共同轻声吟唱的"pretty woman"乐曲声中，一点点变得狂暴，一点点被疯狂的正义所主宰的斯韦内，他无比优雅的举刀动作中同时蕴含了极度欣喜与极度悲凉。

当他终于挥刀下手，鲜血喷溅出来的那一刻，相信所有人都长出了一口气：看啊，这个男人为了这一刻已经付出了那么多，现在他终于可以安宁了。

最后一幕斯韦内抱着误杀的爱人死去，他的鲜血流淌在她紧闭的双眼上，沿着她带有伤痕的嘴唇一直流到地上，我几乎要相信她马上就要睁开眼睛，天使般地微笑着对他说：亲爱的，谢谢你为我做的一切。

然后说，我宽恕你。

——我承认自己实在是太希望、太希望给这个冰冷的男人一个救赎了。

至于苍白的拉维特太太，一个总是显得市侩、猥琐、狡猾、冷血的女刽子手，却总是被狂热的爱恋和不经意的温情暴露了她的女人本性。

尽管在“A LittLe Priest"伴奏下，海伦娜·邦翰·卡特这个女版德普和男德普一起，犹如两个空虚的吸血鬼一般透过玻璃窗望着芸芸大众，一面满不在乎地讨论拿谁做肉馅儿的严肃问题，但他们很快就唱着歌，手执菜刀和擀面杖共舞，险些让人确信这对冷血男女就要成为情侣了。

然而不管她怎样努力，在他面前都只能是一个剃刀反光里模糊了的可怜剪影，或是映在破碎镜子里的扭曲身形。

她不是出现在他回忆中的那个永远鲜活的金发形象。

她穿黑色和灰色的连衣裙，她用极暗淡的红色作饰物，连她的头发也是一种脏兮兮的暗红色。

这个可怜的女人用轻微到颤抖的声音说道：“我也是您的朋友，陶德先生。

”，用嘴唇卑微而贪婪地轻触他的头发，用略微苍老的丰满手臂挽着他在草地上做一个天马行空的美梦，却逃不过被他推入烤炉化作灰烬的命运。

她在堆满尸体的地下作坊乞求着，高声唱着“我没有说谎”，声音是那么纤细无力，徒劳地想盖过他充满愤怒的指责。

她疲劳的眼睛在对他倾诉：我只是太爱你了。

而他并不想留意。

在他面前她始终是一个苍白到有点可耻的形象，总显得自卑，却又是如此地让人无法憎恨。

片子结束后再听她最初的歌曲“The Worst Pie in London",开头一句俏皮的"Ah,A CUSTOMER!!"，倒觉得宁愿她一辈子都是那个做着难吃的派的肮脏女人，在蟑螂横行的店铺里默默终老。

另外一首歌，是由拉维特夫人收养的小男孩托比因为担心斯韦内加害夫人唱出的"Nothing will harm you, not while I'm around.",由于其天真的温情而感人肺腑。

然而这首歌在后来拉维特与斯韦内四处搜寻发现了他们秘密逃走了的托比时，再次被拉维特甜甜的声音唱出来，立刻形如鬼魅。

阴暗的下水道里，一个故作甜美的女声回响在石头墙壁之间，听上去不可思议的冷酷。

也许托比就是在那时决定了要狠下心来，拿起斯韦内掉落在地的剃刀，完全没有犹豫的、坚定地向他的脖子划下去。

至于那个结局，其实也早有端倪透出。

不只是疯癫女乞丐对斯韦内一句如逢甘霖般的“先生，我认识您吗？

”，早在女乞丐在法官家门口徘徊时，就有点预料到她是一个会变成线索的人物。

只是没有想到竟是这样一个结局。

沉重的音符压得人透不过气来，在还没有意识到那是结尾时，在还天真地期待着僵尸新娘似的更加光明的结局时，黑压压的字幕已经迫不及待地涌了上来。

一刹那，善的和恶的都已经消逝，只剩下年轻的、经历过种种不幸的、痛苦而充满梦想的孩子们。

他们正等待着生活。

正应了斯韦内开篇的一句话“You are young, you will learn"!闲话：话说今天是第一天在爱丁堡放映，以一部歌舞片的身份居然能够座无虚席，也算是证明了某金牌搭档的号召力。

每次看到斯内普教授和老鼠先生就很想笑。

很期待完全版dvd,里面那段斯韦内·陶德刀下亡魂大合唱“被斯韦内·陶德杀害的人们”